Catégorie : Formations artistiques complémentaires

2 jours de laboratoire avec Nathan Desnyder, maître en la matière dans la construction de personnages en comédie musicale avec des rôles notoires comme Scar et Pumba dans « Le Roi Lion » au Théâtre Mogador à Paris, ou encore Ben Gunn dans « L’ile au Trésor, le musical » de Tobiarts Productions en tournée en Belgique en octobre et novembre 2025, et Jack Favell dans « Rebecca » au Festival Bruxellons!.

Ce weekend sera l’occasion d’aborder la construction d’un personnage dans une première approche plus théâtrale, suivi d’une seconde approche chantée favorisant la connexion entre la voix, le texte et le jeu. Dans une approche pratique, immersive et personnalisée, favorisant l’expérimentation et la progression.

Objectif

• Développer des outils concrets pour construire un personnage de comédie musicale de manière crédible, vivante et nuancée.
• Explorer la transformation physique et vocale au service de l’interprétation.
• Travailler l’engagement du corps, la posture, la démarche et l’énergie d’un personnage.
• Comprendre comment passer du jeu réaliste à des personnages plus stylisés ou plus « larges », propres à la comédie musicale.
• Approfondir le lien entre jeu, chant et mouvement pour créer une interprétation cohérente.
• Expérimenter différentes approches de composition de personnages à partir de scènes, chansons ou improvisations.
• Développer sa capacité à incarner des rôles contrastés, du registre dramatique au registre comique.
• Gagner en liberté de jeu, en imagination et en confiance dans ses propositions artistiques.
• Découvrir comment les éléments visuels (maquillage, silhouette, expressivité) peuvent nourrir la création d’un personnage.
• Bénéficier de l’expérience d’un artiste de terrain ayant travaillé aussi bien dans des productions internationales avec Stage Entertainment et Disney Land Paris que dans de grandes créations françaises.

Méthode

La pédagogie repose sur une approche pratique, immersive et personnalisée, nourrie par l’expérience acquise au Cours Florent ainsi qu’auprès des différents metteur·euse·s en scène internationaux·ales avec lesquel·le·s j’ai eu l’occasion de travailler. Le travail s’articule autour d’exercices de scène, d’explorations de textes et de mises en situation concrètes, favorisant l’expérimentation et la progression.

Chaque participant·e bénéficie d’un accompagnement adapté à son rythme, à son âge et à ses capacités, dans un cadre à la fois bienveillant et exigeant. L’accent est mis sur l’écoute, l’analyse et le ressenti afin d’affiner la compréhension des intentions et des émotions. Le travail sur l’interprétation chantée vient compléter cette approche en approfondissant la connexion entre la voix, le texte et le jeu.

Programme

• Travail d’interprétation de scènes : compréhension des enjeux, intentions et construction du jeu
• Analyse du texte : sens, structure, poids des mots et importance des silences
• Construction de personnages : incarnation, cohérence et développement de l’imaginaire
• Exploration des nuances : variations d’intention, subtilité du jeu et précision émotionnelle
• Travail sur les émotions : justesse, sincérité et engagement
• Interprétation chantée : lien entre texte, musique et narration ; chanter comme prolongement de l’émotion lorsque la parole ne suffit plus
• Mise en pratique à travers des exercices et passages dirigés
• Accompagnement individualisé : conseils personnalisés, axes de progression et développement du potentiel de chacun
• Transmission des outils essentiels pour permettre aux participants de poursuivre leur évolution artistique de manière autonome

Pré-requis

Cette masterclass d’un week-end s’adresse à tout artiste, comédien·ne ou chanteur·euse, désireux·se de développer ses outils pour créer un personnage dans un contexte de comédie musicale.

Adresse et horaires

Du 28 au 29 novembre 2026

Talents Academy, 126a rue Franklin, 1000 Bruxelles

Tarif

• Le prix de la formation est de 150€ par participant·es.
• Le Fonds 304 prend en charge 150€ pour les travailleur·euse·s actif·ve·s dans le secteur des arts de la scène (commission paritaire 304) en région wallonne ou bruxelloise, qui occupent actuellement un poste relevant de la CP 304 ou qui peuvent justifier de 30 jours de prestations auprès d’un ou plusieurs employeurs de la CP 304 francophone ces 24 derniers mois. 

Transformez la technique en force de mise en scène pour votre prochain spectacle. Et si la technique n’était pas simplement un support, mais le cœur même de votre écriture ? Inspirée de la création du spectacle Tacoma Garage, cette formation immersive vous donne les clés pour intégrer la régie directement au plateau (ou ne surtout pas le faire !) et enrichir votre processus créatif.

Objectif

Transformer la régie en matière organique. Décrypter et solidifier le lien intime entre artistique et technique.

• Décloisonner les corps de métiers
• Maîtriser la « Dramaturgie du Dispositif »
• Intégrer la contrainte technique dès la conception
• Questionner et développer une autonomie hybride (Acteur-Régisseur)
• Transformer l’aléa en force dramatique
• Acquérir une culture critique du théâtre contemporain

Programme

Passez de la théorie à la pratique : 3 jours pour participer à des ateliers pratiques.

Évitez les pièges : Apprenez à trier les « vraies fausses bonnes idées » de mise en scène et déterminer vos priorités.

Maîtrisez la scène globale : Explorez l’impact direct de la vidéo, du son, de la lumière et de la scénographie sur l’histoire que vous racontez. Décryptez le contemporain : Analysez des dispositifs scéniques actuels pour nourrir vos propres projets.

Pré-requis

La formation s’adresse aux artistes professionnel·les, créateur·ices des Arts de la scène, ainsi qu’aux régisseur·euses professionnel·les.

Elle peut également être suivie en binôme : artiste et régisseur·euses travaillant ensemble. Avoir participé à une création et comprendre le vocabulaire de régie de base est un certain atout pour profiter au mieux de la formation.

Adresse et horaires

Du 26 au 28 novembre 2026

Studio MCFA – Rue des Carmes, 3 – 6900 Marche-en-Famenne

Tarif

• Le prix de la formation est de 300€ par participant·es.
• Le Fonds 304 prend en charge 270€ pour les travailleur·euse·s actif·ve·s dans le secteur des arts de la scène (commission paritaire 304) en région wallonne ou bruxelloise, qui occupent actuellement un poste relevant de la CP 304 ou qui peuvent justifier de 30 jours de prestations auprès d’un ou plusieurs employeurs de la CP 304 francophone ces 24 derniers mois. 

Explore avec Sara Selma et Massie ton endroit de contraste et de liberté dans la petite chambre du cabaret* (empr. au m. néerl. cabaret (caberet, cabret) « auberge, cabaret, restaurant à bon marché », Verdam, forme dénasalisée de cambret (aussi cameret, camerret) « id. », ibid., lui-même empr. à l’a. pic. camberete « petite chambre »corresp. à chambrette*.)

Du clown·e (joueur·euse amorale), en passant par le bouffon, (joueur·euse immoral) au drag dégenré, voir dégénéré, ielles te proposent de penser la créature comme mascarade, c’est à dire comme multiplication des identités agissantes. 

Vous n’êtes pas seul·es !

Objectifs

• Faire du cabaret un lieu de débordement : être trop maquillé·e, trop bruyant·e, trop sincère, trop vulgaire, pour fissurer les normes de genre, de classe et de respectabilité
• Détourner la culture populaire jusqu’à ce qu’elle révèle ce qu’elle cache de violence, de désir et de puissance collective
• Faire du rire un outil de lutte, capable de désarmer les discours moralisateurs et de transformer honte ou vulnérabilité en puissance collective
• Renforcer sa présence scénique et son adresse au public par le travail du micro et du rapport frontal
• Prototyper une créature de la nuit: la tester, la rater, la réajuster, la présenter; plutôt que de viser un numéro « fini » dès le premier essai.

Programme

• Improvisation et activation du corps grotesque, carnavalesque, au-delà des normes de maîtrise : duos de lipsync dos à dos, équilibres de plateau qui basculent en jeux de stéréotypes.
• Prise de micro, confidences , adresse frontale au public.
• La musique de la langue. Les sonorités du dire, les niveaux de langage: les figures de style, le burlesque ou comment les états de la parole provoquent l’écriture en direct.
• Détournement de matériaux populaires: la parodie comme pied de nez politique. Le travestissement trivial, le plaisant et le satirique.
• Les instances du jeu: l’auteur, l’acteur, le joueur, le personnage, le metteur en scène,…
• Les dramaturgies restreintes et générales 
• Brainstorm collectif autour d’une idée de performance: chacun·e prototype, présente, récolte les retours, réajuste.
• Temps de retours collectifs : on rit avec, jamais contre!

Public cible

 La formation s’adresse à 14  artistes professionnel·le·s de la scène souhaitant développer de nouveaux outils : tu peux venir de la danse, des arts de la rue, du jeune public, du théâtre adulte, tu es attendu·e·x.

Pour participer, les artistes doivent :

• être domicilié·es en FWB ;
• avoir une pratique professionnelle d’au moins deux ans dans les espaces de représentation en Wallonie et à Bruxelles.

Adresse et horaires

Du 30 novembre au 4 décembre 2026 au Théâtre la Balsamine, Av. Félix Marchal 1, 1030 Schaerbeek

Tarif

• Le prix de la formation est de 450€ par participant·e.
• Le Fonds 304 prend en charge complètement les frais d’inscription pour les travailleur·euse·s actif·ve·s dans le secteur des arts de la scène (commission paritaire 304) en région wallonne ou bruxelloise, qui occupent actuellement un poste relevant de la CP 304 ou qui peuvent justifier de 30 jours de prestations auprès d’un ou plusieurs employeurs de la CP 304 francophone ces 24 derniers mois.

Vous avez déjà foulé les planches et cherchez à approfondir votre art ? Ce stage intensif est pour vous. Apportez vos textes. Extraits de pièces, poèmes, dialogues… Chacun·e vient avec de courts textes qui deviendront la matière vivante de notre travail. À partir d’eux, nous explorerons les principes du jeu et du personnage, sous différentes configurations verbales et non verbales. Car si le jeu repose sur la qualité du dire, il reste indissociable de tout ce qui s’exprime par le corps : le geste, le ton, la mimique, la démarche, le regard. Ici, nous travaillerons le dire et nous mettrons à son service tout ce que dit le non-verbal. Trois jours pour remettre le corps, la voix et l’imaginaire au cœur du jeu : – Le training de l’acteur·ice — respiration, voix naturelle, éveil sensoriel, libération des tensions. Non pas un échauffement sportif, mais une véritable préparation à l’acte de jouer. – Les techniques de jeu — improvisation, écoute des partenaires, usage dramaturgique de l’accessoire. – La création collective — jouer ensemble, prendre des risques dans un cadre bienveillant fondé sur l’écoute, la solidarité et le plaisir de la découverte.

Encadrement : Patrick Duquesne & Giovanni Orlandi, tous deux metteurs en scène et coachs théâtre.

Objectifs

La formation au jeu d’acteur·ice a pour objectif de permettre aux participant·es de développer et d’approfondir les compétences fondamentales du travail de l’acteur·ice, en articulant étroitement training corporel et vocal, techniques de jeu dramatique et création collective.

Elle vise à amener chaque participant·e à :

• développer une présence scénique consciente, engagée et disponible ;
• mobiliser le corps, la voix, les émotions et l’imaginaire comme outils de jeu ;
• expérimenter et maîtriser les bases du training de l’acteur·ice, distinct de l’échauffement sportif, comme préparation à l’acte de jouer ;
• répondre à des situations de jeu individuelles et collectives par l’improvisation et la composition de personnages ;
• affiner ses capacités d’écoute, d’adaptation et de réaction dans le jeu avec les partenaires ;
• analyser sa pratique et développer un regard critique et réflexif sur son travail artistique, celui du groupe et sur les situations proposées.

La formation s’inscrit dans une perspective où le jeu de l’acteur·ice est envisagé comme un outil d’expression tout en répondant à des exigences artistiques précises.

Méthodes utilisées

La formation repose sur une pédagogie active, expérientielle et progressive, centrée sur la pratique et l’implication directe des participant·es.

Contenu et programme

A. Le training de l’acteur·ice
Le training constitue la base du travail et vise à développer l’instrument de jeu de l’acteur·ice.
Il comprend notamment :

• la distinction entre training de l’acteur·ice et échauffement sportif ;
• le travail de la respiration, du souffle et de la détente corporelle ;
• la visualisation du schéma corporel et de l’anatomie fonctionnelle ;
• l’éveil et l’affinement des cinq sens ;
• travail spécifique sur le dire, le parler, l’élocution : la capacité pour un acteur.ice à mettre en voix un texte et à le faire arriver aux public ;
• la libération de la voix naturelle, parlée et chantée ;
• le travail sur les résonateurs, la posture, le mouvement et le rythme ;
• l’expression corporelle et vocale des émotions ;
• la relation du corps à l’espace, au temps et au groupe.

B. Techniques et jeu de l’acteur·ice

À partir de situations de jeu et de théâtre, les participant·es abordent :l’improvisation individuelle et collective à partir de consignes précises ;

• l’écoute active des partenaires et la capacité à faire évoluer une situation dramatique ;
• la construction et l’incarnation de personnages théâtraux ;
• l’analyse du jeu selon des critères artistiques (présence, cohérence, occupation de l’espace, évolution dramatique) ;
• l’utilisation créative des accessoires ;
• l’exploration de différentes formes théâtrales (notamment commedia dell’arte, farce, formes populaires), en lien avec le jeu corporel et vocal ;
• l’intégration, lorsque pertinent, d’un point de vue critique sur la réalité contemporaine.

Public cible

Toute personne envisageant le métier d’acteur.ice et comedien.ne-animateur.ice, désireuse de perfectionner son expérience dans le domaine du jeu d’acteur.ice.

Adresse et horaires

Du 14 au 16 décembre 2026 au Local Libertalia : Rue des Coteaux 341, 1030 Schaerbeek

Tarif

• Le prix de la formation est de 300€ par participant·e.
• Le Fonds 304 prend en charge à hauteur de 270€ les frais d’inscription pour les travailleur·euse·s actif·ve·s dans le secteur des arts de la scène (commission paritaire 304) en région wallonne ou bruxelloise, qui occupent actuellement un poste relevant de la CP 304 ou qui peuvent justifier de 30 jours de prestations auprès d’un ou plusieurs employeurs de la CP 304 francophone ces 24 derniers mois.

« De l’intime à la Rue : Ecrire par soi et par la rue ».

Formation organisée par Aires Libres et animée par la Cie Pocket Théâtre.

Objectifs

La compagnie POCKET Théâtre, fondée en 2006 par Thierry Combe, développe une forme de théâtre « documentaire » faisant de la matière intime le matériau principal de ses créations.

Souhaitant traiter de sujets sociétaux forts, la compagnie aborde des questions sérieuses et sensibles (avec humour et malice) à travers le prisme d’une trajectoire de vie particulière.

Thierry Combe et Florian Guyot proposent, à travers ce workshop, de vous immerger dans la méthodologie de travail de la Cie, et de vivre l’expérience de création d’un récit à porter devant d’autres en étant nourri de votre vécu, et de ce que la rue aura à nous dire.

Méthodes utilisées

La compagnie POCKET Théâtre développe une méthode faisant de l’anthropologie de soi, de l’imprévu, du hasard, de l’écoute active et de la sieste, l’art de construire avec une forme de justesse (à soi-même et aux autres) ce qui sera tenté d’être porté devant d’autres.

Programme

Jours 1 & 2

1. Présentation de la Cie et de sa démarche

2. QU’EST-CE QUE JE PEUX DIRE :

• Collecte de matières intimes, anthropologie de soi.
• Collecte de matières offertes par la rue. Animisme de la rue.

Jour 3

QU’EST-CE QUE JE PEUX DIRE :

• Analyse de la matière collectée.
• Travail sur le choix.
• Début d’écriture (écrite, orale ou gestuelle selon la convenance de chacun et chacune)

Jour 4

COMMENT JE PEUX LE DIRE :

• Mise en scène de « ce que je veux dire ».

Jour 5

DIRE :

• Répéter pour interpréter devant d’autres.

Formateur·ices

Thierry Combe et Florian Guyot

Auteur, interprète, metteur en scène et directeur artistique de la compagnie Pocket Théâtre qu’il fonde en 2006, Thierry Combe défend un théâtre sincère et populaire. Dans le spectacle Léon (2015), il livre une chronique sur la vocation professionnelle à la frontière entre nostalgie et militantisme. Avec Jean-Pierre, Lui, Moi (2017), prise de parole sur le handicap et la fratrie, le comédien poursuit sa quête anthropologique théâtrale en développant un mode d’écriture oral, en confrontation au public. Au Pire, Ça Marche ! (2022) est l’occasion pour lui de slalomer entre des thèmes aussi vastes que la démocratie, l’éducation et le football. Avec La Conserverie Théâtrale (2021), Thierry Combe nous invite malicieusement à nous interroger sur ce qui nous nourrit, et sur la place du théâtre dans nos vies. En 2024-25, il crée le diptyque franco burkinabè Homme(s) Intègre(s) ? Dans lequel deux récits de vie sont entrelacés, comme un moyen d’interroger la coopération, la réciprocité et l’amitié.

Enfant de l’Éducation populaire, Florian a fait ses armes dans diverses associations en tant que membre ou fondateur. Responsable du secteur culture éducation de 2012 à 2016, il découvre la Ligue de l’Enseignement en Ardèche. Il travaille actuellement pour l’association La Fabrik qu’il a cofondée près de Lyon, où il anime des projets artistiques en lien constant avec le territoire. En 2020, il participe à la rénovation de la Cour du Spectateur au cœur du festival d’Avignon où il est depuis chargé de la programmation. Depuis 2022, il développe l’action culturelle au sein de la compagnie Pocket Théâtre où il anime des ateliers Bibliothèques Humaines, entre récit de vie et mise en scène. En parallèle, il collabore avec différentes compagnies comme regard extérieur.

Pour en savoir plus sur leur travail, nous vous invitons à visiter le site internet de la Cie.

Public-cible et pré-requis

Public et prérequis : Ce workshop s’adresse aux créateur.rices professionnel.le.s du spectacle, comédiens et comédiennes, circassiens et circassiennes, performeureuses de tous âges cherchant à découvrir ou à parfaire leur connaissance dans le domaine de l’écriture scénique de l’intime et/ou du récit de vie. Ce workshop s’adresse cependant particulièrement aux artistes professionnel.le.s qui créent ou ont le projet de créer un spectacle intime en espace public puisque les participant.e.s seront amené.e.s à se confronter à l’espace public dans le cadre de cette formation. 

Repas et boissons : Les participant.e.s doivent être autonomes. Prenez vos tartines, biscuits et boissons pour chaque journée !

Matériel à prévoir par les participant.e.s : Une tenue adaptée au travail en extérieur + A préciser…

Adresse et horaires

Durée : 5 journées complètes
Dates : Du 23 au 27 novembre 2026

Lieu : CC Wolubilis – Place du Temps Libre, 7B (Studio et Lab) – 1200 Woluwé-St-Lambert.

Tarif

• Prix par participant·es : 500€

• Formation partiellement (450€) prise en charge par le Fonds 304 pour les travailleur·euse·s actif·ve·s dans le secteur des arts de la scène (commission paritaire 304) en région wallonne ou bruxelloise, qui occupent actuellement un poste relevant de la CP 304 ou qui peuvent justifier de 30 jours de prestations auprès d’un ou plusieurs employeurs de la CP 304 ces 24 derniers mois. Vous êtes dans les conditions? Le Fonds 304 paie à votre place.

L’objet comme partenaire de jeu: Initiation au théâtre d’objet, marionnettes et arts associés animé par Isabelle Darras.

« Ce que je trouve fascinant en atelier de recherche c’est de voir la multiplicité des chemins empruntés par les participants pour raconter, c’est vertigineux, évocateur, inspirant. Ce qui me plaît c’est de défricher la matière avec eux, de l’orchestrer ensemble pour faire ressortir le point de vue. De voir les participants chercher avec la liberté et la fantaisie que peuvent avoir les enfants quand ils jouent. » – Isabelle Darras

Objectif

Exploration de la matière, manipulation d’objets et présentation public.  

Programme

Par le biais d’exercices simples et accessibles à tous, ce stage propose une exploration à partir de la matière et des objets apportés par chaque participant. L’objectif est de créer une petite forme visuelle à présenter en fin de semaine (il est également possible de s’appuyer sur un travail personnel déjà entamé). 

La manipulation de marionnettes, en solo ou en groupe, fera aussi partie des expérimentations.

ll ne s’agit pas d’aboutir à une forme finalisée, mais plutôt de se laisser emporter et surprendre par des points de vue inhabituels, des impressions, des sensations rendues possibles par le théâtre d’objet et de marionnettes. L’imaginaire s’éveille au contact de ces langages singuliers ! 

Pré-requis

Aucune connaissance préalable n’est requise pour ce stage 

Adresse et horaires

Du 23 au 27 novembre 2026 (10h > 17h) 

La Roseraie,1299 chaussée d’Alsemberg 1180, Uccle 

Tarif

• Le prix de la formation est de 250€ par participant·es.
• Le Fonds 304 prend en charge la totalité des frais d’inscription pour les travailleur·euse·s actif·ve·s dans le secteur des arts de la scène (commission paritaire 304) en région wallonne ou bruxelloise, qui occupent actuellement un poste relevant de la CP 304 ou qui peuvent justifier de 30 jours de prestations auprès d’un ou plusieurs employeurs de la CP 304 francophone ces 24 derniers mois. 

Formez-vous à la méthode Théâtre & Réconciliation !

La méthode Théâtre & Réconciliation est une méthode de création et de mise en scène qui propose une approche originale du théâtre pour intervenir efficacement auprès de publics vulnérables.

Cette masterclass, animée par Frédérique Lecomte, permet aux participant·e·s d’acquérir des compétences en mise en scène, animation d’ateliers et renforcement de la cohésion de groupe, tout en développant l’écoute, l’empathie et la bienveillance.

Cette master class, limitée à 15 personnes, prend place pour 4 journées à Bruxelles, dès le 13 janvier.

Objectifs

L’objectif de cette formation est de permettre aux professionnel·le·s de se familiariser avec des techniques théâtrales dans le but d’encadrer des groupes amateurs, plus particulièrement des groupes vulnérables (personnes en situation irrégulière, personnes avec des problèmes mentales, jeunes en difficulté scolaire, etc.) pour faire des créations théâtrales en très peu de temps (par exemple encadrer des ateliers de quelques jours à une semaine et présenter un résultat à la fin) avec des méthodes de mise en scène en direct, de travail uniquement à l’oral pour rester le plus souple possible et permettre aux groupes de trouver leur place.

Méthodes utilisées

La méthode utilisée sera la méthodologie Théâtre et Réconciliation. Cette méthodologie de création théâtrale rapide se concentre sur des techniques stimulantes et inclusives pour produire des saynètes en un temps limité. Elle commence par la construction collective de thèmes d’improvisation, suivis de créations spontanées en petits groupes. L’identification du « punctum », un élément marquant et révélateur, guide le (re)travail des scènes. Une analyse politique/sociologique de ce punctum est ensuite effectuée. Le punctum est toujours révélateur d’un propos, d’un fait sur notre société ou sur une situation précise. La mise en scène utilise divers outils comme le rythme, la musique et la distanciation, tandis que la direction d’acteur·rice intègre des témoignages personnels et des confrontations de points de vue. Les esthétiques variées, allant du cabaret à la tragédie, sont intégrées pour enrichir le processus. L’ambiance générale est légère et rythmée, favorisant une analyse approfondie des signes théâtraux et du discours. Enfin, un montage en direct et une représentation publique concluent l’atelier, offrant une expérience complète et immersive. Le fait de vivre la méthodologie devient un élément clé pour les participant·e·s pour mieux comprendre le positionnement à adopter. De plus, la formation insistera sur le positionnement, l’attitude à adopter face à un groupe amateur pour faire aboutir la création scénique rapidement. Enfin, le concept de tâtonnement expérimental, inspiré de Freinet, sera central : il s’agit d’un processus naturel d’apprentissage basé sur des essais et des erreurs, permettant de passer d’approximations initiales à des solutions plus abouties. Ce processus d’apprentissage continu facilitera la compréhension des bonnes pratiques et l’affinement de l’approche. Cette approche intégrée garantira que les connaissances acquises soient directement liées à la mise en scène et au travail collectif, offrant ainsi une expérience immersive et formatrice.

Contenu et programme

Cette formation pour professionnel·le·s, axée sur l’encadrement de groupes amateurs et la création théâtrale rapide, alterne pratique et théorie. Structurée en trois étapes – observation, expérimentation et innovation – elle permet aux participant·e·s de s’imprégner des techniques de Théâtre et Réconciliation. Au programme : des échauffements physiques et mentaux, des improvisations basées sur des stimuli collectifs, et la création de saynètes en un temps limité pour favoriser la spontanéité. La méthodologie inclut l’identification du « punctum », un élément clé de la scène, suivi d’une analyse politique et d’une mise en scène utilisant divers outils artistiques. Les participant·e·s exploreront différentes esthétiques théâtrales et développeront des compétences en direction d’acteur, tout en maintenant une ambiance légère et rythmée. L’analyse des signes théâtraux et du discours, ainsi que le montage en direct du spectacle, font également partie intégrante de la formation. Enfin, les participant·e·s expérimenteront aussi des attitudes telles que l’empathie, l’écoute active et des stratégies de cohésion de groupe, tout en respectant la déontologie et les particularités des publics cibles. Ainsi la première journée permettra aux participant·e·s de se plonger dans l’univers de Théâtre et Réconciliation et d’expérimenter le processus dans son entièreté, en tant qu’observateur·ice·s. Les deux jours suivants permettent la pratique directe des participant·e·s, à tour de rôle et en groupe pour expérimenter les outils, dans un échange continu avec la formatrice. Le dernier jour est consacré à la mise en scène finale d’une création théâtrale, guidée par les participant·e·s et aux derniers retours, conclusions sur les apprentissages de la Masterclass.

Prérequis

Cette formation s’adresse aux professionnel·le·s du théâtre, tels que les artistes, scénographes, metteur·euse·s en scène, acteur·rice·s, comédien·ne·s et animateur·rice·s socio-culturel·le·s. Elle s’adresse plus globalement aux professionnel·le·s du monde des arts vivants qui travaillent / souhaitent travailler avec un public amateur composé de personnes issues de groupes vulnérables, et qui souhaitent développer des techniques de créations théâtrales rapides avec un résultat présentable en quelques jours.

Adresse et horaires

Du 5 au 8 octobre 2026 au Kosmostudio, rue Théodore Verhaegen 188 à 1060 Bruxelles.

Tarif

• Le prix de la formation est de 300€ par participant·e.
• Le Fonds 304 prend en charge les frais d’inscription pour les travailleur·euse·s actif·ve·s dans le secteur des arts de la scène (commission paritaire 304) en région wallonne ou bruxelloise, qui occupent actuellement un poste relevant de la CP 304 ou qui peuvent justifier de 30 jours de prestations auprès d’un ou plusieurs employeurs de la CP 304 francophone ces 24 derniers mois.