Catégorie : Formation

Formez-vous à la méthode Théâtre & Réconciliation !

La méthode Théâtre & Réconciliation est une méthode de création et de mise en scène qui propose une approche originale du théâtre pour intervenir efficacement auprès de publics vulnérables.

Cette masterclass, animée par Frédérique Lecomte, permet aux participant·e·s d’acquérir des compétences en mise en scène, animation d’ateliers et renforcement de la cohésion de groupe, tout en développant l’écoute, l’empathie et la bienveillance.

Cette master class, limitée à 15 personnes, prend place pour 4 journées à Bruxelles, dès le 13 janvier.

Objectifs

L’objectif de cette formation est de permettre aux professionnel·le·s de se familiariser avec des techniques théâtrales dans le but d’encadrer des groupes amateurs, plus particulièrement des groupes vulnérables (personnes en situation irrégulière, personnes avec des problèmes mentales, jeunes en difficulté scolaire, etc.) pour faire des créations théâtrales en très peu de temps (par exemple encadrer des ateliers de quelques jours à une semaine et présenter un résultat à la fin) avec des méthodes de mise en scène en direct, de travail uniquement à l’oral pour rester le plus souple possible et permettre aux groupes de trouver leur place.

Méthodes utilisées

La méthode utilisée sera la méthodologie Théâtre et Réconciliation. Cette méthodologie de création théâtrale rapide se concentre sur des techniques stimulantes et inclusives pour produire des saynètes en un temps limité. Elle commence par la construction collective de thèmes d’improvisation, suivis de créations spontanées en petits groupes. L’identification du « punctum », un élément marquant et révélateur, guide le (re)travail des scènes. Une analyse politique/sociologique de ce punctum est ensuite effectuée. Le punctum est toujours révélateur d’un propos, d’un fait sur notre société ou sur une situation précise. La mise en scène utilise divers outils comme le rythme, la musique et la distanciation, tandis que la direction d’acteur·rice intègre des témoignages personnels et des confrontations de points de vue. Les esthétiques variées, allant du cabaret à la tragédie, sont intégrées pour enrichir le processus. L’ambiance générale est légère et rythmée, favorisant une analyse approfondie des signes théâtraux et du discours. Enfin, un montage en direct et une représentation publique concluent l’atelier, offrant une expérience complète et immersive. Le fait de vivre la méthodologie devient un élément clé pour les participant·e·s pour mieux comprendre le positionnement à adopter. De plus, la formation insistera sur le positionnement, l’attitude à adopter face à un groupe amateur pour faire aboutir la création scénique rapidement. Enfin, le concept de tâtonnement expérimental, inspiré de Freinet, sera central : il s’agit d’un processus naturel d’apprentissage basé sur des essais et des erreurs, permettant de passer d’approximations initiales à des solutions plus abouties. Ce processus d’apprentissage continu facilitera la compréhension des bonnes pratiques et l’affinement de l’approche. Cette approche intégrée garantira que les connaissances acquises soient directement liées à la mise en scène et au travail collectif, offrant ainsi une expérience immersive et formatrice.

Contenu et programme

Cette formation pour professionnel·le·s, axée sur l’encadrement de groupes amateurs et la création théâtrale rapide, alterne pratique et théorie. Structurée en trois étapes – observation, expérimentation et innovation – elle permet aux participant·e·s de s’imprégner des techniques de Théâtre et Réconciliation. Au programme : des échauffements physiques et mentaux, des improvisations basées sur des stimuli collectifs, et la création de saynètes en un temps limité pour favoriser la spontanéité. La méthodologie inclut l’identification du « punctum », un élément clé de la scène, suivi d’une analyse politique et d’une mise en scène utilisant divers outils artistiques. Les participant·e·s exploreront différentes esthétiques théâtrales et développeront des compétences en direction d’acteur, tout en maintenant une ambiance légère et rythmée. L’analyse des signes théâtraux et du discours, ainsi que le montage en direct du spectacle, font également partie intégrante de la formation. Enfin, les participant·e·s expérimenteront aussi des attitudes telles que l’empathie, l’écoute active et des stratégies de cohésion de groupe, tout en respectant la déontologie et les particularités des publics cibles. Ainsi la première journée permettra aux participant·e·s de se plonger dans l’univers de Théâtre et Réconciliation et d’expérimenter le processus dans son entièreté, en tant qu’observateur·ice·s. Les deux jours suivants permettent la pratique directe des participant·e·s, à tour de rôle et en groupe pour expérimenter les outils, dans un échange continu avec la formatrice. Le dernier jour est consacré à la mise en scène finale d’une création théâtrale, guidée par les participant·e·s et aux derniers retours, conclusions sur les apprentissages de la Masterclass.

Prérequis

Cette formation s’adresse aux professionnel·le·s du théâtre, tels que les artistes, scénographes, metteur·euse·s en scène, acteur·rice·s, comédien·ne·s et animateur·rice·s socio-culturel·le·s. Elle s’adresse plus globalement aux professionnel·le·s du monde des arts vivants qui travaillent / souhaitent travailler avec un public amateur composé de personnes issues de groupes vulnérables, et qui souhaitent développer des techniques de créations théâtrales rapides avec un résultat présentable en quelques jours.

Adresse et horaires

Du mardi 13 au vendredi 16 janvier 2026, de 9h30 à 16h30, au KosmoStudio, 188 rue Théodore Verhaegen à 1060 Bruxelles.

Tarif

• Le prix de la formation est de 300€ par participant·e.
• Le Fonds 304 prend en charge les frais d’inscription pour les travailleur·euse·s actif·ve·s dans le secteur des arts de la scène (commission paritaire 304) en région wallonne ou bruxelloise, qui occupent actuellement un poste relevant de la CP 304 ou qui peuvent justifier de 30 jours de prestations auprès d’un ou plusieurs employeurs de la CP 304 francophone ces 24 derniers mois.

Nicole Mossoux et Patrick Bonté proposent un laboratoire de quatre jours pour interroger les rapports entre le mouvement et la présence scénique. Comment développer des langages gestuels tout en étant conscient des états que l’on traverse : seul·e mais aussi en relation avec des partenaires, avec l’espace
alentour et, petit à petit, avec la frontalité ? Qu’est-ce qui fait que des corps en mouvement se « donnent à voir » ? Comment développer la charge qui passera du danseur au spectateur ? Des échauffements préparatoires, des explorations gestuelles et des improvisations plus théâtrales se succéderont lors de la journée.

Objectifs

Faire découvrir les modes de recherche, d’improvisation et de composition de la Compagnie, et apprendre à formuler des langages scéniques qui tiennent compte de la complexité des rapports entre le mouvement, la présence et les intentions qui les ont faits naître.
Le but est de développer via le mouvement des états de disponibilité et d’étrangeté. En évitant le réalisme psychologique à quoi certaines intentions peuvent mener. Aller le plus loin possible dans les intentions et l’état.

Méthodes utilisées

À toutes les étapes du travail, on évite de juger les propositions des participant·e·s afin de créer un climat où chacun·e se sente autorisé·e à apporter sa touche personnelle qui nourrira l’imaginaire des autres.

Une place importante est donnée aux échanges avant et après les improvisations.

Avant : on s’assure de la bonne compréhension par chacun·e des règles du jeu, et des enjeux d’état, pour qu’il·elle puisse réellement s’abandonner dans le moment du plateau.

Les retours qui suivent sont personnalisés, de façon à rester dans le concret, et que tout le groupe puisse entendre ce qui est précisé pour chacun·e afin de s’en nourrir pour lui·elle-même. Quand l’improvisation se fait par groupes séparés, les « spectateur·rice·s » ont l’occasion de faire des retours à ceux·elles qui viennent de jouer, afin de développer leur capacité d’analyse. La sélection des matières se fait en fonction de nos critères subjectifs.

Contenu et programme

Le matin (10h – 13 h) :
Échauffements
Basés sur le croisement entre des techniques de danse contemporaine, d’Eutonie, de Yoga Yiengar et de Chi Kong, les échauffements visent à préparer le corps en pleine conscience, à développer une concentration de type exploratoire, sans formatage.
Explorations gestuelles
En groupe, demi-groupes, duos, des exercices d’isolation des différentes parties du corps, des exercices pour développer l’écoute du groupe, le regard, le partage de l’espace.

L’après-midi (14h – 18 h) :
Improvisations
Au départ d’images et d’intentions, les improvisations se font en groupes séparés, les un·e·s regardant le travail des autres. Les règles du jeu sont à chaque fois spécifiées.
Nous utilisons des montages sonores qui soutiennent la tension et stimulent l’imaginaire.
Les improvisations se font sans intervention de la voix et sans expression du visage.
Chacun·e reçoit à l’issue de l’improvisation des retours précis lors de séance où l’on revient sur ce que chacun·e a fait.

Composition
Réalisation en petits groupes distincts de formes courtes, qui font intervenir objet(s), espace, présence, mouvements, sortes de haïkus scéniques.
Pour exemple : en individuel, la composition d’après des portraits en peinture :
Il s’agit de

• s’imprégner de l’atmosphère générale de l’image et de l’attitude, de la « texture » du personnage ;
• transférer ses propres sensations, les idées les impressions qui viennent à la vue de l’image, sans chercher à la reproduire fidèlement ;
• se raconter de petites histoires, plonger dans un aspect ou l’autre de l’image ;
• créer une situation de quelques minutes, en tenant compte de l’espace alentour, du rythme : celui·elle qui meut le personnage, comment l’environnement agit sur lui, quel regard il·elle porte sur le monde, quelles questions le·a traversent ;
• penser aux arrêts sur image, mais aussi à de possibles déambulations, aux actions « simili-signifiantes », aux absurdités de comportement ;
• rendre la figure à la fois crédible et légèrement décalée.

On utilisera parfois ces figures pour créer des rencontres entre elles, ce qui est important donc est de leur donner un comportement qui les fasse réagir de telle ou telle façon.

Public cible

Ce stage s’adresse à des interprètes professionnel.les, belges ou étrangers, issus du spectacle vivant — danse, théâtre, cirque ou marionnettes — disposant d’au moins cinq années de pratique régulière en danse ou en théâtre corporel. 
Il s’adresse à des artistes dotés d’une grande capacité d’improvisation, désireux d’approfondir leur recherche personnelle autour du développement d’une gestuelle singulière et d’un type de présence scénique, à partir d’images et d’intentions comme moteurs de jeu. 
Chaque interprète est invité·e à soumettre sa candidature accompagnée d’un curriculum vitæ et d’une courte vidéo illustrant sa démarche artistique, sa sensibilité corporelle et sa pratique de l’improvisation. 

Adresse et horaires

Du 17 au 20 février, à L’Envers, rue des Tanneurs 87, 1000 Bruxelles.

Tarif

• Le prix de la formation est de 380€ par participant·e.
• Le Fonds 304 prend en charge 360€ des frais d’inscription pour les travailleur·euse·s actif·ve·s dans le secteur des arts de la scène (commission paritaire 304) en région wallonne ou bruxelloise, qui occupent actuellement un poste relevant de la CP 304 ou qui peuvent justifier de 30 jours de prestations auprès d’un ou plusieurs employeurs de la CP 304 francophone ces 24 derniers mois.

La Curieuse vous souhaite la bienvenue au labo, un territoire d’exploration artistique qui repousse les frontières de l’interdisciplinarité pour créer un espace véritablement indiscipliné!

Le concept est simple : La Curieuse joue les entremetteuses artistiques, réunissant deux artistes de la scène qui n’ont jamais travaillé ensemble auparavant, mais dont les démarches créatives résonnent de manière unique. Ces duos éphémères invitent 15 autres artistes à plonger dans un processus de recherche commun pendant 5 journées, pour ce Labo#6 dès le 5 , à Bruxelles.

Il est confié à Florence Minder, actrice, autrice, metteuse en scène convaincue que les capacités imaginatives du vivant et le tissage des relations entre les êtres sont les plus précieuses ressources énergétiques du futur, et Baptiste Toulemonde, co-créateur de la compagnie Renards pour laquelle il intervient dans l’écriture et l’interprétation des pièces.

Méthodes utilisées

• Un espace de liberté créative hors des productions normatives ;
• Une opportunité de rencontrer et de collaborer avec des artistes aux parcours singuliers ;
• Un incubateur d’idées novatrices et de pratiques expérimentales ;
• Une plateforme pour repousser les limites de sa propre pratique artistique ;
• Un lieu où l’audace et la vulnérabilité sont de mèches.

Outils et programme

Créer c’est aller au bout d’un truc qu’on ne voyait même pas au départ. 
C’est revenir dix fois sur une phrase qu’on ne s’explique pas.
C’est laisser sa place à l’ennui. 
C’est couper la musique, la remettre, en changer et revenir à la première (pour la laisser en boucle). 
C’est réfléchir au temps qu’on a et à l’espace qui nous accueille. 

Créer c’est être convaincu·e aujourd’hui et trouver ça insignifiant le lendemain. 
C’est laisser le ridicule faire son effet. 
C’est se montrer devant les autres et mieux comprendre ce qu’on veut dire. 
C’est se demander à qui on parle. 
C’est dire ce qu’on n’arrive pas à dire. 
C’est faire confiance à d’autre mots et d’autres corps que les nôtres.
C’est écrire et se défaire de l’idée de l’écriture. 
C’est lire et dire.
C’est bouger et s’arrêter. 

La proposition consiste à faire ça ensemble parce que c’est rassurant, fertile, surprenant et rigolo de chercher à plusieurs. Avec la possibilité de proposer une écriture, un début de pièce, une scène ou juste une idée.

Partir de vos envies pour creuser ces endroits de créativité, en prendre soin, les nourrir, les faire fleurir (même en décembre, y a plus de saisons!).

Objectifs

Repartir après 5 jours avec :

• un carnet et un stylo ;
• le sentiment d’être moins seul·e  ;
• un vocabulaire commun de méta émotions ;
• des histoires ou canevas pour commencer une écriture solo ;
• des nouvelles idées de protocoles d’ improvisations et contraintes créatives ;
• trois souvenirs ; 
• un rire ;
• un geste ; 
• un image ; 
• la possibilité d’avoir pu essayer une scène ou un principe auprès d’un groupe de gens ; 
• un outil de construction de cadre de travail ;
• des recettes de cuisine.

Public cible

Artistes professionnel·le·s des arts de la scène désirant s’outiller concernant le jeu, le passage à l’action de l’écriture au plateau et la composition dans le présent. Pour participer, les artistes doivent répondre à certains prérequis :

• posséder une expérience professionnelle ou une formation de base dans les disciplines artistiques concernées ;
• être domicilié·e·s en FWB ;
• avoir une pratique professionnelle d’au moins deux ans dans les espaces de représentation en Wallonie et à Bruxelles.

Adresse et horaires

Du lundi 5 au vendredi 9 janvier 2026 (de 9h30 à 16h30), Salle Utopia, Quai au Foin, 1000 Bruxelles.

Tarif

• Le prix de la formation est de 450€ par participant·e.
• Le Fonds 304 prend en charge complètement les frais d’inscription pour les travailleur·euse·s actif·ve·s dans le secteur des arts de la scène (commission paritaire 304) en région wallonne ou bruxelloise, qui occupent actuellement un poste relevant de la CP 304 ou qui peuvent justifier de 30 jours de prestations auprès d’un ou plusieurs employeurs de la CP 304 francophone ces 24 derniers mois.

Formation complète

Le théâtre d’objet est un théâtre d’auteur·rice qui utilise la métaphore, l’ellipse, le symbolisme, l’évocation, les échelles de grandeurs et renvoie à une poétique singulière. La compagnie du Singe Nu vous propose de découvrir cette discipline via un atelier de 3 journées.

Le stage sera dirigé par Agnès Limbos. Enseignante et créatrice de spectacles, elle dirige des masterclass depuis 15 ans dans le monde entier.

Limité à 12 professionnel·le·s, le stage s’étend sur 3 journées, du mercredi 28 au vendredi 30 janvier 2026 à La Chaufferie (Liège).

Objectifs

• Explorer des univers particuliers, ludiques et poétiques, naissant de la rencontre entre un·e acteur·rice manipulateur·rice et un objet.
• Repousser les frontières du connu et s’aventurer intuitivement dans des zones obscures qui font s’ébranler les échelles de valeur et de grandeur.
• Faire évoluer le groupe comme un corps, une unité́ en soi dans laquelle chaque participant·e·s injecte sa personnalité́ propre, son rythme, ses désirs artistiques particuliers et sa manière d’aborder la matière.

Méthodes pédagogiques

Un espace sera transformé en « Grand Magasin » où seront exposés des objets, des jouets, des matières, des images, etc. Ceux-ci auront été choisis et amenés par les stagiaires. Cette matière sera mise à la disposition de tou·te·s pour y puiser à volonté lors des exercices et des improvisations. Une liste de matériel à amener sera envoyée à chaque participant·e. Une grande importance sera donnée au visionnement du travail des autres et l’élaboration d’un vocabulaire commun. Les découvertes des un·e·s appartiendront aussi aux autres. Les exercices sont autant de cadeaux que les stagiaires peuvent se faire. Tout ce qui se fait peut être repris et utilisé par n’importe qui.

• Mise en présence de l’acteur dans l’espace
• Travail sur la manipulation d’objet : sans manipulateur·rice, pas de manipulation. À travers des exercices, on détaille les diverses manières de mettre en évidence l’objet et, comme l’acteur·rice est à vue, le travail sur le regard, la respiration et l’émotion que cela déclenche prennent une place prépondérante.
• Décodage de la valeur poétique de l’objet : au travers des exercices d’improvisation qui développent l’imagination et la curiosité, nous essayons de décoder les multiples valeurs de l’objet seul ou mis à côté d’un autre. (symbolique, suggestion, humoristique, nostalgique, etc.)
• Travail sur le scénario : il y a diverses manières de réveiller l’imaginaire. Il s’agit de proposer une multitude de stimuli qui permettent aux stagiaires de livrer des points de vue, de commencer à dégager des styles qui leur seront propres, des formes artistiques particulières et singulières. À partir d’une carte postale, d’une image, d’un poème, d’une musique, d’un fait divers ou de la reconstitution d’une ambiance, les stagiaires devront proposer de courtes formes, seul·e, à 2 ou à 3.
• Le story board : emprunté au langage cinématographique, la réalisation du story board permet d’écrire un petit scénario en utilisant le découpage séquence par séquence. Ceci permet de préciser ses envies, de mettre des focus et de prendre conscience de l’importance de tous les moments de la réalisation : on parlera de gros plan, plan large, travelling, zoom, etc.
• Travail sur le jeu : il est la résultante de tout cet ensemble de notions énoncées plus haut et travaille spécifiquement sur la justesse des intentions et le plaisir de jouer.

Programme

Déroulement d’une journée :

* Matin : de 10H à 13H *

• Echauffements et préparation physique
• Exercices de dissociation et mise en évidence les impulsions déclenchant le mouvement. Lien entre le geste et la respiration (inspirations, expirations, apnées, etc.)
• Exploration du corps dans l’espace : les résonnances du vide et de l’émotion, les déséquilibres. Recherche de l’état neutre du corps
• Exercices et improvisations collectives
• Travail sur l’état dramatique ; introspection sur les différents états intérieurs pouvant déclencher le jeu.
• Mise en évidence de la poétique des matières : le regard que l’on pose sur les objets, décodage d’un langage.

* Après-midi : de 15H à 18H *

• Le regard sur l’objet, sur l ’acteur manipulateur
• Improvisations individuelles, en duo, en trio ….
• Le jeu avec les objets : ludique, dramatique, humoristique, chorégraphié, etc.
• Travail sur le scénario et le story board

Pré-requis

Stage réservé aux professionnel·le·s et aux étudiant·e·s en art du spectacle.

Adresse et horaires

3 journées, du mercredi 28 au vendredi 30 janvier 2026, de 10h à 18h à La Chaufferie, rue Jean-Baptiste Cools 14, 4000 Liège.

Tarif

• Le prix de la formation est de 300€ par participant·e.
• Le Fonds 304 prend en charge 270€ des frais d’inscription des travailleur·euse·s actif·ve·s dans le secteur des arts de la scène (commission paritaire 304) en région wallonne ou bruxelloise, qui occupent actuellement un poste relevant de la CP 304 ou qui peuvent justifier de 30 jours de prestations auprès d’un ou plusieurs employeurs de la CP 304 francophone ces 24 derniers mois.
  Seul le solde de 30€ vous est facturé par l’opérateur.