Catégorie : Formation

à nos hontes et leurs métamorphoses

Jessica Gazon en complicité avec Leslie Mannès

Objectifs

Explorer les questions d’auto-fiction :  comment écrire un récit émancipateur à partir de son vécu ?  À quel endroit mon intimité est-elle politique et que révèle-t-elle des injonctions sociétales ?  Quelles sont les limites ? Comment utiliser mes endroits de honte pour en créer du récit cathartique ?

Creuser la diversité des styles de récit : il y a autant de récits d’auto-fiction que de personnes qui ont envie/besoin de se réapproprier leur histoire à travers des langages divers, porteurs de résilience. 

Humoristique, symbolique, mise en abîme, frontaux, malins, en distance, outranciers… il n’y a pas de recettes ni de bonnes méthodes. 

Ce chantier est là pour que chaque participant·x·tes trouve son chemin. 

Programme

« La honte. Ce sentiment si familier qui entrave tant de chemins de vie. Puissante, autant dans la violence qu’elle renferme, que dans son potentiel narratif, que raconte-elle sur nous ? Comment se construit-on avec ou contre elle ? Comment nos biais internalisés et les regards extérieurs activent-t-ils cette honte, la décuple-t-elle ? Dans ma pratique, elle a toujours été là, tout près, parfois cachée (c’est sa spécialité), parfois au centre, comme moteur de jeu, comme carburant créatif, comme vecteur d’humour, de pathétique mais de beauté aussi, de vulnérabilité, de métamorphose. Mettre nos hontes en commun, en faire une matière à jouer, affranchie, sera notre point de départ pour explorer également l’accessoire en scène et son champs des possibles. En lien avec un récit, l’accessoire peut revêtir plusieurs identités, nous protéger et opérer une transformation du jeu. «  Jessica Gazon

Meta·shame est une formation de cinq jours qui combine la démarche d’autofiction; travail de composition de Jessica Gazon, et un travail physique mené par Leslie Mannès pour transcender ce sentiment et faire résonner les corps à travers des chorégraphies collectives.

Méthodes utilisées

Public cible

Artistes professionnel·les des arts de la scène désirant explorer la honte comme matière de jeu scénique à travers l’autofiction, le travail du corps et l’expérimentation de l’accessoire et la transformer en moteur de création.

Ouverture des inscriptions sur le site www.lacurieuse.be le 13 avril 2026.

Adresse et horaires

Du 25 au 29 mai 2026

Studio de répétitions Cie infini théâtre, Rue Saint-Josse 49, 1210 Saint-Josse-ten-Noode

Tarif

• Le prix de la formation est de 450€ par participant·e.
• Le Fonds 304 prend en charge complètement les frais d’inscription pour les travailleur·euse·s actif·ve·s dans le secteur des arts de la scène (commission paritaire 304) en région wallonne ou bruxelloise, qui occupent actuellement un poste relevant de la CP 304 ou qui peuvent justifier de 30 jours de prestations auprès d’un ou plusieurs employeurs de la CP 304 francophone ces 24 derniers mois.

Objectifs

Information, sensibilisation et expérimentation autour de l’accessibilité des contenus (audio)visuels pour les personnes aveugles et malvoyant·e·s.

Programme

Qu’est-ce que rendre un contenu visuel accessible aux personnes aveugles ou malvoyant·e·s ? Comment se mettre dans la peau d’une personne aveugle ? 
Qu’est-ce que l’audiodescription ? Dans quel(s) do-maine(s) l’audiodescription peut-elle s’appliquer ? 
Comment cela fonctionne-t-il techniquement ? Quels sont les différents types d’audiodescription ? 
Comment reconnaît-on une audiodescription de qualité ? Quelles sont les chartes qualitatives en vi-gueur autour de l’audiodescription et comment les comprendre ? 
Quels sont les coûts d’une audiodescription ? Les délais ? Les procédures de travail ? 
Peut-on tout audiodécrire ? Comment décrire et créer une image mentale ? 

Méthodes utilisées

Présentation ex cathedra avec visuels sur slides, expérimentations pratiques d’écritures et d’écoutes, questions/réponses sur mesure. 
Chaque participant·e repartira avec le contenu écrit des slides. 

Formatrice

Christelle Brüll est licenciée en communication en option cinéma et arts audiovisuels, elle est également comédienne. 
En 2014, elle co-fonde la structure PAF, première structure d’audiodescription pro-fessionnelle francophone belge. Formée par les pionniers de l’audiodescription française, elle décrit depuis lors des films et des oeuvres d’art pour les personnes malvoyantes, dirige les comédiens-voix en studio et co-dirige artistiquement la structure. Elle a théorisé la pratique de l’audiodescription et donne des formations professionnelles depuis 2016 pour les auteurs et pour les institutions culturelles qui désirent oeuvrer dans l’accessibilité. 

Pré-requis

Cette formation s’adresse tout·e professionnel·le travaillant ou désirant travailler à l’accessibilité des conte-nus pour les personnes aveugles et malvoyant·e·s : les (post-)producteur·rice·s de ciné-ma, les réalisateur·rice·s, les responsables de studio son, les responsables de salle de cinéma, les responsables accessibilité (télévision, site internet, salle de théâtre, mu-sée, événementiel, secteur touristique), les responsables politiques, les communes, les entreprises, les services publics, etc. 

Formatrice

Christelle Brüll est licenciée en communication en option cinéma et arts audiovisuels, elle est également comédienne. 
En 2014, elle co-fonde la structure PAF, première structure d’audiodescription professionnelle francophone belge. Formée par les pionniers de l’audiodescription française, elle décrit depuis lors des films et des oeuvres d’art pour les personnes malvoyantes, dirige les comédiens-voix en studio et codirige artistiquement la structure. Elle a théorisé la pratique de l’audiodescription et donne des formations professionnelles depuis 2016 pour les auteurs et pour les institutions culturelles qui désirent oeuvrer dans l’accessibilité. 

Adresse et horaires

19/05/2026 de 9h30 à 17h

TRAKK, 16 Avenue Reine Astrid, 5000 Namur

Formation limitée à 12 participant·es

Tarif

• Le prix de la formation est de 150€ par participant·e.
• Le Fonds 304 intervient à hauteur de 90€ pour les travailleur·euse·s actif·ve·s dans le secteur des arts de la scène (commission paritaire 304) en région wallonne ou bruxelloise, qui occupent actuellement un poste relevant de la CP 304 ou qui peuvent justifier de 30 jours de prestations auprès d’un ou plusieurs employeurs de la CP 304 francophone ces 24 derniers mois. Vous êtes dans les conditions? Votre intervention se limite donc à 60€ facturés par PAF.

L’objet comme partenaire de jeu: Initiation au théâtre d’objet, marionnettes et arts associés animé par Isabelle Darras.

« Ce que je trouve fascinant en atelier de recherche c’est de voir la multiplicité des chemins empruntés par les participants pour raconter, c’est vertigineux, évocateur, inspirant. Ce qui me plaît c’est de défricher la matière avec eux, de l’orchestrer ensemble pour faire ressortir le point de vue. De voir les participants chercher avec la liberté et la fantaisie que peuvent avoir les enfants quand ils jouent. » – Isabelle Darras

Objectif

Exploration de la matière, manipulation d’objets et présentation public.  

Programme

Par le biais d’exercices simples et accessibles à tous, ce stage propose une exploration à partir de la matière et des objets apportés par chaque participant. L’objectif est de créer une petite forme visuelle à présenter en fin de semaine (il est également possible de s’appuyer sur un travail personnel déjà entamé). 

La manipulation de marionnettes, en solo ou en groupe, fera aussi partie des expérimentations.

ll ne s’agit pas d’aboutir à une forme finalisée, mais plutôt de se laisser emporter et surprendre par des points de vue inhabituels, des impressions, des sensations rendues possibles par le théâtre d’objet et de marionnettes. L’imaginaire s’éveille au contact de ces langages singuliers ! 

Pré-requis

Aucune connaissance préalable n’est requise pour ce stage 

Adresse et horaires

Du 02 au 06.03.2026 (10h > 17h) 

La Roseraie,1299 chaussée d’Alsemberg 1180, Uccle 

Tarif

• Le prix de la formation est de 250€ par participant·es.
• Le Fonds 304 prend en charge la totalité des frais d’inscription pour les travailleur·euse·s actif·ve·s dans le secteur des arts de la scène (commission paritaire 304) en région wallonne ou bruxelloise, qui occupent actuellement un poste relevant de la CP 304 ou qui peuvent justifier de 30 jours de prestations auprès d’un ou plusieurs employeurs de la CP 304 francophone ces 24 derniers mois. 

Un objet, une minute, un exploit ! Ce workshop s’adresse aux artistes professionnel·le·s cherchant à explorer la relation à l’objet et les interactions possibles : l’exploiter pour en faire un partenaire de jeu.

Les « Ateliers Lefeuvre-André » proposent un atelier pratique pour découvrir les différentes facettes exploitables en spectacle d’objets usuels. 

Programme

Six demi journées de recherches, démonstrations, échanges et rigolades à partager !

Ce workshop s’adresse aux artistes professionnel·le·s (comédien·ne.s, circassien·ne·s, performeur·euse·s) de tous âges cherchant à découvrir ou à parfaire leurs connaissances dans le domaine de l’écriture scénique autour des objets – et particulièrement aux artistes qui créent ou ont le projet de créer un spectacle autour d’un ou de plusieurs objet(s). Le travail proposé comprendra essentiellement des mises en situation pratiques, il est donc préférable d’avoir une bonne condition physique.

Prendre soin d’un collectif et de ses membres, nouer des relations non-verbales (par le toucher, la danse, le chant), écouter véritablement, savourer la vibration du son, faire émerger la polyphonie, improviser, se situer dans l’espace dedans et dehors, devenir sensible aux seuils (j’entre et je sors d’un espace en conscience), créer du temps et du silence, déposer une intention avant d’agir, interroger la place des rites, partager un repas. 

Journée 1 :

• Présentation – Objectifs
• Echauffement un peu physique
• Présentation des objets apportés par les participant.e.s
• Présentation des objets proposés par les artistes encadrants
• Recherche avec des objets utilisés par Jean Paul et Didier
• Recherche avec un objet choisi et apporté par chaque participant.e.s

Journée 2 :

• Echauffement un peu physique
• Exploration individuelle de la relation à l’objet – Recherche des interactions possibles avec un objet choisi
• Travail et présentation d’un « exploit » avec l’objet choisi
• Construction d’une entrée et d’une sortie de scène en vue de présenter cet exploit
• Présentation de cette scène en 1 minute

L’introduction et la conclusion font la mise en valeur de ce que l’on veut montrer. Il faut savoir garder l’essentiel pour donner une meilleure lisibilité. Le schéma de cette minute de travail est en partie le même que pour la construction d’un spectacle.

Journée 3 :

• Echauffement un peu physique
• Travail à plusieurs avec des objets et présentation
• Recherche d’une articulation autour des différentes propositions élaborées en vue d’une restitution
• Restitution du travail en public (à confirmer)

Objectifs

Les « Ateliers Lefeuvre-André » proposent un atelier pratique pour découvrir les différentes facettes exploitables en spectacle d’objets usuels. 

Exploration individuelle de la relation à l’objet et recherche des interactions possibles : le mettre en scène, l’utiliser sous toutes ses formes, le décliner, le creuser, le mettre à nu…pour en faire un vrai partenaire de jeu.

Conformément au travail de la Cie, ce stage vise à exploiter jusqu’au trognon les objets et accessoires apportés par les formateurs et/ou par les participant.e.s (une planche, une cassette, une truelle, une balle, une brouette, un bouquet de fleur, une bouteille…).

Détourner ces ustensiles d’apparence banale avec une dextérité méticuleuse.

Entre les mains des stagiaires, ces objets mis en mouvement deviendront complices, partenaires de jeu.

Toutes les fantaisies seront permises, même les plus absurdes ou inutiles, à condition qu’elles s’incarnent avec application.

Se prendre au jeu – mais sans se prendre au sérieux.

Méthodes utilisées

Jean-Paul et Didier affirment leur attachement à une forme d’artisanat laborieux et modeste, faisant d’eux les adeptes d’une sorte de “slow cirque”. 

Le travail des Ateliers Lefeuvre & André s’ancre dans la patience. Un jeu minimaliste, dépouillé, une économie de mouvements, qui contribue à créer un univers scénique bien particulier. Le tout au service d’une dramaturgie en apparence minimale.

La méthode utilisée pour ce workshop sera l’écho de leur façon de travailler, à coup d’essais et d’erreurs, de recherche patiente – et de beaucoup de minutie.

Travail pratique par exercices – Création de courtes scènes – Restitution finale

Formateurs

Jean-Paul et Didier affirment leur attachement à une forme d’artisanat laborieux et modeste, faisant d’eux les adeptes d’une sorte de “slow cirque”. 

Le travail des Ateliers Lefeuvre & André s’ancre dans la patience. Un jeu minimaliste, dépouillé, une économie de mouvements, qui contribue à créer un univers scénique bien particulier. Le tout au service d’une dramaturgie en apparence minimale.

Public cible

Ce workshop s’adresse aux artistes professionnel·le·s (comédien·ne·s, circassien·ne·s, performeur·euse·s) de tous âges cherchant à découvrir ou à parfaire leurs connaissances dans le domaine de l’écriture scénique autour des objets. Le travail proposé comprendra essentiellement des mises en situation pratiques, il est donc préférable d’avoir une bonne condition physique.

Adresse et horaires

Du 24 au 26 février 2026

Espace CAR (Centre des Arts de la Rue de la Maison Culturelle d’Ath) – Rue de France 20/22 – 7800 Ath

Tarif

• Le prix de la formation est de 300€ par participant·e.
• Le Fonds 304 prend en charge partiellement les frais d’inscription (270€) pour les travailleur·euse·s actif·ve·s dans le secteur des arts de la scène (commission paritaire 304) en région wallonne ou bruxelloise, qui occupent actuellement un poste relevant de la CP 304 ou qui peuvent justifier de 30 jours de prestations auprès d’un ou plusieurs employeurs de la CP 304 francophone ces 24 derniers mois.

Pratique où l’immatérialité, le silence, l’invisible et le corps seul à nu, sans masque ni costume, s’expriment. Le mime et la pantomime ont souvent été confondus. Bien que le mime soit ancestral, le mime occidental d’aujourd’hui, dit contemporain, est le mime corporel: la discipline initiée par Etienne Decroux (1898-1991). Celle où le corps global et engagé -excepté le visage et les mains-, demeure l’instrument principal d’expression de l’artiste.  Elle débouche sur l’abstrait et le symbolisme (le signifié) et sur le concret (le signifiant) par des actions du quotidien et de métiers artisanaux.  La présence d’artifice (décor, jeux de lumières, costumes, sons, musique…) altère la pureté de son langage. Autant il existe des différences entre la pantomime et le mime corporel, autant il existe des similitudes. Notamment parce qu’elles abordent toutes les deux le signifiant et le signifié. 

Ensemble nous travaillerons la conception du temps, comment mimer un souvenir, un état présent ou une aspiration future. Nous chercherons à traduire ces trois temps à travers une musique et une harmonie corporelle. Nous explorerons des techniques précises de toucher, fondu, le toc, l’immobilité ou le point fixe. Les participant.e.s seront amené.e.s à découvrir leur frontière physique dans l’espace : seul.e et à plusieurs. Cela passera par des exploration en solo de son corps expressif avec des techniques d’isolation des organes expressifs. 

La panto-mime permet d’étirer les gestes du quotidien jusqu’à aller vers l’extra-quotidien et l’extraordinaire. Elle rend possible l’impossible. Elle nous invite à découvrir et explorer notre propre poésie, s’y laisser embarquer et la partager aux autres et avec celle des autres. Le travail en chœur permettra d’utiliser l’entente collective comme moyen d’expression et faire surgir une seule et même organicité, vivante ou non vivante.

Objectifs du stage

L’objectif est de créer à partir de l’invisible, trouver le silence où le corps seul à nu, sans masque ni costume s’expriment. Découvrir sa frontière physique dans l’espace, comprendre son outil de jeu, sa physicalité et ses possibles. Apprendre à créer collectivement ou individuellement, s’inspirer des techniques de Jacques Lecoq et Etienne Decroux pour donner vie à des courtes formes d’expressions corporelles destinées au public.

Méthodes utilisées

• Approche du corps du mime corporel développé par Etienne Decroux
• Approche de la pantomime blanche selon Jacques Lecoq
• Création à partir de textes et d’improvisations
• Apprentissages des bases du mime (toc, pousser/tirer, précision du geste,…)

Programme

MODULE 1 : EXPLORATION DU TEMPS
 
MODULE 2 : RAPPORT À SOI ET AUX AUTRES
 
MODULE 3 : LES CODES DES PANTO-MIMES
 
MODULE 4 : CRÉATION DE FORME COURTE
 
MODULE 5 : L’ESPACE QUI NOUS ENTOURE  
 
MODULE 6 : AUTO-COURS, créations individuelles ou collective

Formatrices

Léa Fehrenbach
Comédienne formée au Conservatoire de Strasbourg et à l’école LASSAAD, elle est membre du collectif La Décole. Elle a joué dans plusieurs créations de pantomime telles que La Dame au petit chien, adaptation du texte de Tchekhov et Sola, création collective avec les regards extérieurs de Karine Vuillemin et Quentin Vanabecq.

Nicolas Biebuyck 

Il commence sa profession en autodidacte avec ses premières pantomimes musicales puis découvre le mime corporel dramatique d’Etienne Decroux à l’Ecole internationale de Mime Corporel Dramatique de Ivan Bacciocchi et à l’école Omnibus Le Corps du Théâtre de Montréal. Durant son cursus, il crée Éphémères: un seul-en-scène tout public alliant mime, pantomime, clown et marionnettes corporelles. En 2025, il réalise des performances improvisées et interactives en pantomime et donne des formations au mime corporel dramatique à Bruxelles

Adresse et horaires

Du 2 au 13 mars 2026

à Ur Square, Avenue de la couronne 227, 1050 Ixelles

Du lundi au vendredi – de 10h à 17

Tarif

• Le prix de la formation est de 550€ par participant·e.
• Le Fonds 304 prend en charge l’intégralité des frais d’inscription pour les travailleur·euse·s actif·ve·s dans le secteur des arts de la scène (commission paritaire 304) en région wallonne ou bruxelloise, qui occupent actuellement un poste relevant de la CP 304 ou qui peuvent justifier de 30 jours de prestations auprès d’un ou plusieurs employeurs de la CP 304 francophone ces 24 derniers mois.

Dans le monde des masques larvaires, tout est source de curiosité. Naïf mais loin d’être idiot, ouvert sur le monde, dans l’instant présent, alerte aux sensations et aux mouvements environnants, chaque masque larvaire exprime une tendance, une dynamique et plusieurs contre-masques.

L’exploration est reine. Le moment présent est central. Comme tout être en construction, son développement se fait pas à pas, couche après couche. Il vit différemment en fonction de chaque personne qui le porte. Celle-ci le découvre petit à petit et s’abandonne à lui. C’est un véritable instrument pour l’acteur.ice dont l’enjeu est d’apprendre à le faire exister. Faire ressortir les différentes facettes de son caractère grâce au langage non-verbal et s’oublier au service du masque. 

Les masques larvaires ont été inspirés par les masques du carnaval de Bâle. C’est Jacques Lecoq dans les années 1960 qui en a fait un outil pédagogique de théâtre. On dit larvaire comme larve, ils ne sont pas arrivés tout à fait à maturité, on voit une forme humaine qui se dessine mais ça n’est pas tout à fait encore ça.

Ils sont un outil pour développer toute une gamme et une palette d’émotions. Le jeu réside essentiellement dans la physicalité. Il s’agit de donner à voir l’émotion et le ressenti par le corps car le visage est entièrement masqué et la règle veut que l’interprète soit absolument silencieu.s.e.x. Nous partirons à la recherche de postures, de gestes, petits et grands, de rythmes qui peuvent subitement changer. Nous serons attentif.ve.s aux détails et feront confiance à l’intuition, car dans le masque on ne voit presque rien. Il faut composer autrement pour transmettre ce que l’on ferait plus facilement avec son masque à soi, son visage.

Objectifs du stage

Au cours de ces 2 semaines de stage, nous apprendrons les bases de la fabrication d’un masque larvaire. De la conception à la peinture en passant par le modelage en terre et le papiétage. Tous les après-midis de la première semaine seront consacrés à la fabrication des masques afin que chaque participant.e.s puisse jouer son masque la seconde semaine et repartir avec à la fin du stage

En parallèle, nous apprendrons à jouer différents masques larvaires. Nous tenterons de repousser les limites de sa propre corporalité, de découvrir à quel point notre physique peut nous surprendre et la puissance de son expression silencieuse. Nous apprendrons à maîtriser les bases de cet outil de travail phénoménal et poétique. D’abord seule puis dans des situations de socialisation entre masques larvaires, de rencontres. Nous jouerons et expérimenterons les sensations à travers les masques, comment l’environnement et les stimuli créent le jeu et à quel point l’écoute est importante pour faire vivre ces créatures si singulières. 

Méthodes utilisées

• Explication et démonstration techniques 
• Accompagnement individuel tout au long de la fabrication  
• Exercice de théâtre physique 
• Analyse des mouvements en jeu, postures, attitudes physiques, point fixe 
• Travail des gammes des émotions  
• Improvisation en solo et en groupe 
• Travail autonome et de recherche en jeu 

Programme

SEMAINE 1 : Fabriquer le masque et découvrir le jeu masqué

SEMAINE 2 : Jouer le masque et approfondir le jeu masqué

Formatrices

Garance Baudon & Marie Delpit
Toutes deux membres du collectif La Décole, elles se sont formées en théâtre physique à l’école LASSAAD puis en autogestion. Leurs parcours artistique et leur rapport au masque se complètent. Garance et Marie se sont formées auprès de Loïc Nebreda, la première s’étant rapidement spécialisée dans la fabrication et le jeu du masque larvaire alors que la seconde s’oriente vers la fabrication et la mise en scène de masques expressifs et marionnettes.

Adresse et horaires

Du 2 au 13 février 2026

à Ur Square, Avenue de la couronne 227, 1050 Ixelles

Du lundi au vendredi – de 10h à 17h

Tarif

• Le prix de la formation est de 600€ par participant·e.
• Le Fonds 304 prend en charge 550€ des frais d’inscription pour les travailleur·euse·s actif·ve·s dans le secteur des arts de la scène (commission paritaire 304) en région wallonne ou bruxelloise, qui occupent actuellement un poste relevant de la CP 304 ou qui peuvent justifier de 30 jours de prestations auprès d’un ou plusieurs employeurs de la CP 304 francophone ces 24 derniers mois.